图片源于：https://www.stirworld.com/see-features-weaving-a-language-beyond-abstraction-olga-de-amaral-in-paris
让·努维尔为巴黎卡地亚当代艺术基金会设计的玻璃建筑因其与周围花园不断变化的色彩无缝结合而备受赞誉。
随着庆祝哥伦比亚艺术家奥尔加·德·阿马拉尔的回顾展的启动，这一联系更加突出。
这位出生于1932年的艺术家（博哥塔）以其宏伟的纺织作品而闻名，鲜艳的橙色、棕色和绿色色调充分反映了秋天的色彩。
在这一令人惊叹的环境中，她的作品创造了艺术与自然之间的动态联系，同时突显了纺织艺术的创造潜力，而这一媒介因与女性艺术家的强关联而受到一定程度的低估。
展览展示了奥尔加·德·阿马拉尔的《薄雾》（Brumas）系列作品，展出地点为巴黎卡地亚基金会，2024年。
图片：© 萨尔·马尔西哈西
德·阿马拉尔的艺术因其无法归类的特性而长期受到评论家的赞誉，尽管她的大多数作品很少超出其祖国哥伦比亚。
此次展览标志着对她的长期认可，首次将她的作品推向欧洲舞台。
展览展出了80多件作品，全面展示了她自20世纪50年代以来不断演变的职业生涯。
奥尔加·德·阿马拉尔曾表示：“当我建立表面时，我创造了冥想、沉思和反思的空间。每个构成表面的小单元不仅在其自身中具有重要性，还与整体深刻共鸣。”
德·阿马拉尔出生在一个富裕的资产阶级家庭。
在哥伦比亚的内战“暴力年代”期间，她被送往美国。
她在1954年于克兰布鲁克艺术学院学习建筑，与安尼·阿尔伯斯等知名人物的教学相会，使德·阿马拉尔沉浸在主导抽象的艺术文化中。
该学院的包豪斯哲学鼓励她发展出独特的艺术声音，这一声音在她于1955年返回哥伦比亚后得到了进一步塑造。
在哥伦比亚，前哥伦比亚艺术和民间工艺传统的丰富性为其通过现代主义视角进行重新诠释提供了丰厚的土壤。
最初，她与丈夫吉姆·阿马拉尔共同经营的家用纺织品公司特拉斯·阿马拉尔（Telas Amaral）作为纺织设计师，但她逐渐放弃商业效用，转向纯粹的艺术表达。
在1960年代，德·阿马拉尔将装饰性影响与抽象实验相结合，这与当时欧洲纺织艺术中的革命性变革相一致。
这一变革挑战了织毯制作的既定常规。
1965年“洛桑之争”的风波在洛桑织毯双年展期间爆发，生动地展示了这一紧张关系，在这一辩论中，关于维持织毯12厘米图案标准的需求突显了传统主义者与倡导更大自由解释和探索雕塑潜力的群体之间的更广泛冲突。
1969年威尼斯双年展也探索了这一区别，对比了历史纺织制造商与像玛格达莱娜·阿巴卡诺维奇这样的当代艺术家，她的“阿巴坎”拒绝了常规。
受到这些国际交流的影响，德·阿马拉尔加入了这一实验自由的潮流，并因此获得了更高的国际可见度。
1967年，她受邀参加洛桑双年展，成为第一位参与者的南美艺术家。
两年后，即1969年，她在纽约现代艺术博物馆的“挂毯艺术展”中展示了自己的作品。
此次回顾展不采用时间顺序，而是邀请参观者通过精心挑选的标志性作品进行探索，这些作品在卡地亚基金会的不同区域中巧妙展示，以增强与周围环境的共鸣。
1982年的巨型作品《红色墙（Muro en rojos）》通过其织物瓷砖唤起了森林中变换的叶子，而2013年的《薄雾（Brumas）》系列则召唤起哥伦比亚风景中的薄雾，展现出一种三维感，令人想起动感艺术。
在某些时候，其模仿的意图是明确的：2009年的《层（Strata XV）》唤起了山顶，而2019年的《天顶2（Cenit 2）》则反映了自然与工业景观的共存。
这些参照似乎不断回忆起“他处”的存在，在细节和整体之间织出持续的对话。
正如德·阿马拉尔自己所观察到的：“当我创建表面时，我创造了冥想、沉思和反思的空间。
构成表面的每个小单元不仅在自身中具有重要意义，还与整体深刻共鸣。
同样，整体也与每个单独的元素深深共鸣。”
德·阿马拉尔的实践不受历史时刻的禁忌限制，接受广泛的材料和技术。
在1996年的《星（Estelas）》中，金箔的使用向前哥伦比亚的葬礼艺术致敬，将她的作品转变为对古代石雕的闪亮致敬。
她使用的结，例如在《结织（Nudo）》作品中，反映了对基普（quipus）——印加人用来记账和叙述的复杂结绳系统的重新发现，强调了纺织艺术的语言特质。
每一根线，超越其抽象语境，成为叙事的载体，反映了德·阿马拉尔对文本与纺织共享起源的看法——两者都源于拉丁词“texere”，意为编织与叙述。
2024年，奥尔加·德·阿马拉尔的肖像，摄于哥伦比亚博哥塔的阿马拉尔之家。
图片：© 胡安·丹尼尔·卡罗
利娜·戈特马的敏感展览设计环绕着艺术作品，创造了博物馆空间内的内在景观。
通过摈弃分割的路径，设计鼓励亲密参与，挑战传统的正面展示，允许访客从多个角度观察作品。
这一理念与德·阿马拉尔的信念相一致，即作品的背面提供正式自由的空间，提供新的解读角度。
通过鼓励这种多样化的视角，戈特马的设计自然而然地与卡地亚基金会更广泛的文化使命相吻合：多元化、包容性、去中心化和生态化，旨在将被忽视的遗产（包括女性艺术家的遗产）重新引入当代话语中。
